Ein riesiges Thema ist, wie die Wahrnehmungen auf die künstlerischen Prozesse einwirken. Ich habe nicht vor, hier irgendwie Erschöpfendes dazu zu sagen, sondern möchte nur ein paar Gedanken niederschreiben, die mir dieser Tage kamen.
Normalerweise denkt man: der Künstler nimmt etwas im Außenraum wahr, beobachtet und formt danach sein Bild. So ist es ja auch oft genug. „Nach der Natur malen“, „Modellzeichnen“, „ein Motiv suchen und es gestalten“ – das ist eine klare Beziehung. Ich sehe etwas und versuche, es nachzubilden. Ich tue das in letzter Zeit wieder verstärkt, nachdem ich es jahrelang vernachlässigt hatte.
Oder, wenn ich das Motiv nicht nachbilde, so benutze ich doch ganz bewusst einige seiner Aspekte für meine künstlerischen Absichten.
Bei der gegenständlichen Kunst ist Quelle des Bildes also meine bewusste Beobachtung. Sehr oft greife ich allerdings auf frühere Beobachtungen zurück, die in meinem Erinnerungsspeicher ruhen. Ich „weiß“ ja, wie Menschen aussehen, sich bewegen, ich habe genügend Hunde und Bäume, Zirkusreiterinnen und Lampen studiert, um sie erkennbar wiederzugeben. Zum Glück haben auch die Betrachter von Bildern dieses Wissen: sie erkennen selbst in stark abstrahierenden Formen das Gemeinte.
Wie aber ist es bei der ungegenständlichen („konkreten“, „abstrakten“) Malerei? Da ist die Beziehung zur beobachteten Außenwelt offenbar nicht so eindeutig. Da sind es wohl eher Seelenzustände, Gedanken, Energien im Inneren, die nach außen drängen. Heißt das aber, dass die Verbindung zum alltäglichen Wahrnehmen nicht existiert?
Ich meine: doch. Denn auch im abstraktesten Bild schlagen sich frühere Wahrnehmungen nieder. Der ganze, teils bewusste, meist aber unbewusste Fundus meiner Wahrnehmungs-Erinnerungen fließt in das Malen ein. Nur ist dieser Zusammenhang verschlüsselt. Ich verstehe ihn selbst nicht.
Manchmal passiert es, dass eine aktuelle Wahrnehmung mich an ein Bild erinnert, das ich zu ganz anderen Zeiten und unter anderen Umständen gemacht habe. Ein Beispiel habe ich schon gezeigt: die spiegelnde Pfütze und das Gießbild. Als ich das Gießbild machte, dachte ich überhaupt nicht an irgendeine Entsprechung in der Natur – doch im Nachhinein kann ich sie erkennen.
Oder bilde ich mir diese Entsprechung nur ein? Vorgestern ertappte ich mich dabei, wie ich – es war auf dem Nymphenhügel gegenüber der Akropolis – an eine hohe Wand herantrat, an der sich auffällige dunkle feuchte Formen gebildet hatten. Ich betrachtete sie, betastete sie auch. Ich mache das wohl öfter, sammle auf diese Weise „Material“ für Bilder. Zuhause fiel mir dann eine alte Tuschzeichnung ein, die ganz ähnliche Strukturen aufweist.
Prompt fiel mir noch ein anderes Bild ein, das ich schon mal zeigte: https://gerdakazakou.com/2016/05/02/in-memoriam-just-let-go/
Dem abstrakten Bild gibt man ja oft einen Titel. Damit vernichtet man in gewisser Weise die Grenze zur gegenständlichen Kunst, denn man suggeriert dem Betrachter, dass er etwas Bestimmtes wahrnehmen oder eine bestimmte Gefühlsqualität abrufen soll. Das obige Bild nannte ich „in memoriam“ und evozierte dadurch Bilder von Trauer und Tod, aber auch von Loslassen. Die folgenden kleinen Tuschzeichnungen zeigte ich unter dem Titel „scorched – verbrannt, versengt“. Ich sagte also: Schau her, siehst du nicht einen gestürzten angekohlten Baum, ein paar Stücke Holzkohle, übrig geblieben von einem großen Brand?
Und vielleicht – ich sage, vielleicht! – habe ich ja, als ich sie malte, tatsächlich auf innere Bilder zurückgegriffen, die ich im Versuch einer Trauerbewältigung oder nach einem Waldbrand einsammelte. Aber davon wusste ich nichts, als ich sie malte.
